Cinematógrafo homenageia Isao Takahata exibindo o dilacerante e sensível “Túmulo dos Vagalumes”

“Túmulo dos Vagalumes” completa 30 anos no ano da morte de seu diretor, que morreu em abril deste ano. O Cinematógrafo homenageia Takahata na sessão do dia 3 de novembro (sáb), às 16h30, na Saladearte Cinema do Museu.

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Em abril deste ano, o mundo da animação perdeu uma de suas mentes mais brilhantes que deixou como legado inúmeras obras que vêm marcando gerações. Isao Takahata foi um dos gênios criadores do gigante Studio Ghibli, ao lado de Hayao Miyazaki.

O Cinematógrafo apresenta o dilacerante “Túmulo dos Vagalumes”, realizando uma dupla homenagem: no ano da morte do diretor, a sessão exibe o filme que completa trinta anos em 2018.

Lançado, portanto, em 1988, “Túmulo dos Vagalumes” narra a história de duas crianças japonesas que, no fim da segunda guerra mundial, tentam desesperada e esperançosamente, sobreviver numa cidade assolada pelos constantes bombardeios aéreos e pela miséria que toda guerra traz em seu rastro de morte e destruição. Trata-se de um sensível drama de guerra que desloca o foco das cenas de ação para valorizar a perspectiva de duas crianças que sofrem as consequências de um conflito de proporções catastróficas.

Ao criar o filme, Takahata se inspirou no livro homônimo do escritor japonês Akiyuki Nosaka, autor do relato parcialmente biográfico Túmulo dos Vagalumes. Nosaka, que se tornara órfão pouco depois de nasce (em 1930), realmente perdeu os pais adotivos em 1945, durante os bombardeios da Força Aérea dos Estados Unidos sobre o Japão.

No filme, Takahata adapta a história trágica criando um drama realista de dois órfãos que obrigados precocemente a enfrentar o terror, a perda e a fome, numa luta pela vida não isenta de amor, companheirismo e ludicidade. A alternância das cenas dramaticamente impactantes com momentos de beleza em meio do caos, sem o recurso da fantasia onírica típico de animações, dá ao filme o caráter de uma obra profunda e exigente, emocionante e desafiadora, que grita e clama contra a desumanização crescente do mundo. Um clamor tanto mais revoltante porque nos chega a partir da enternecedora perspectiva infantil.

Túmulo dos Vagalumes não teve carreira nos Festivais de cinema considerados mais importantes e badalados, mas ganhou prestígio e consolidou seu lugar ao longo dos anos.

 

 

SINOPSE:

Os irmão Setsuko e Seita vivem no Japão em meio a Segunda Guerra Mundial. Após a morte da mãe num bombardeio americano e a convocação do pai para a Guerra, eles vão morar com alguns parentes. Insatisfeitos, saem da cidade e acabam num abrigo isolado na floresta, onde lutam contra a fome e as doenças e se divertem com as luzes dos vaga-lumes.

“Túmulo dos Vagalumes”, cor, 89min, 1988. Japão. Dir. Isao Takahata.

O CINEMATÓGRAFO NA SALADEARTE

O Cinematógrafo acontece mensalmente na Saladearte — Cinema do Museu (Corredor da Vitória), sempre no último sábado do mês, exibindo filmes de formas e temas diversificados. A curadoria é dos cineastas Fabricio Ramos e Camele Queiroz e as sessões são sempre seguidas de uma boa conversa sobre o filme, mas também sobre as relações do cinema com a arte e a vida. Os ingressos são vendidos normalmente no local, com preço especial no valor de meia entrada para todos.

Localização:

 

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Cinematógrafo de setembro (sáb, 29) exibe “Doze Homens e uma Sentença”, de Sidney Lumet

O clássico de 1957 põe em questão a relação entre os valores que orientam o nosso ideário civilizacional e as questões sociais de fundo moral, político e psicológico. Sessão dia 29/9, às 16h30, na Saladerte — Cinema do Museu.

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Nota dos curadores: “Doze homens e uma sentença” (1957), por fabricio ramos e camele queiroz:

O que chamamos modernidade coincide, sintomaticamente, com a era das ideologias. No tempo das ideologias “é preciso decidir-se sobre o assassinato”, como refletiu Albert Camus. Não sobre o assassinato passional, individual. Mas sobre o assassinato institucionalizado, estatal, legal. Se matar passa a ter razões, inclusive razões de estado, é preciso assumir as consequências e buscar responder claramente à questão sobre o fundamento dessas razões, pois todos nós tomamos parte nela.

Em “Doze Homens e uma Sentença” (1957), o primeiro filme do profícuo diretor estadunidense Sidney Lumet, doze homens são convocados pelo Tribunal do Júri para decidir o destino de um jovem de dezoito anos, acusado de um crime hediondo: matar o próprio pai. Há uma regra básica para o veredito: os doze homens devem determinar, por unanimidade, se o jovem é culpado ou inocente. Em caso de dúvidas ou discordância entre eles, prevalecerá a presunção de inocência. Logo no início, o juiz adverte sobre a enorme responsabilidade que os jurados estão assumindo, lembrando a gravidade da pena a ser aplicada no caso de condenação: a pena de morte.

Para muito além da questão jurídica institucional que se instala à primeira vista, “Doze Homens e uma Sentença”, originalmente uma peça feita para a televisão escrita por Reginald Rose e dirigida por Franklin Schaffner (foi ao ar em 1954 nos EUA), põe em questão a relação entre os valores que orientam o nosso ideário civilizacional e as questões sociais de fundo moral, político e psicológico que atuam no nível individual e no das interações humanas. O que está em jogo quando se tem a responsabilidade de julgar o valor da vida do outro, respaldado pelo manto da legalidade e pela reivindicação de valores humanistas? No filme, amparados no discurso da responsabilidade cidadã, os jurados substanciam seus julgamentos, de forma consciente ou não, de boa vontade ou não, a partir de seus próprios preconceitos, interesses pessoais e até traumas individuais, que emergem de um substrato social e cultural carregado de racismo, xenofobia e moralismo. Cabe ao jurado 8, interpretado soberbamente por Henry Fonda, pôr em questão as certezas impensadas que resultam de automatismos apressados, e trazer para o primeiro plano a responsabilidade da reflexão para a tomada de decisões vitais em nome da sociedade.

 

Uma outra frente de discussão pode ser, paralelamente, acionada pelo filme: em tempos do que Tom Zé chamou de “Tribunal do Facebook”, o filme de 1957 pode ser visto em modo de analogia com a era dos ambientes digitais e os frequentes ímpetos de denuncismo, moralismo e embates políticos polarizados que grassam nas redes sociais, e que não raro descambam para dinâmicas acusatórias, de linguagem punitivista e, no limite, para linchamentos virtuais com consequências e proporções devastadoras para a vida de pessoas acusadas e lançadas ao escracho público sem qualquer possibilidade de defesa. Em casos assim, pela própria tendência amplificadora das redes sociais, inexiste qualquer parâmetro ou marco para se verificar sequer a veracidade das acusações. Esse tema se liga àquele da era das ideologias em que a razão política se converte, em certos contextos, em um esforço discursivo de negação do outro.

No âmbito propriamente cinematográfico, considerando especialmente os seus aspectos formais e dramáticos, “Doze Homens e uma Sentença” motiva boas discussões: o filme se passa quase que inteiramente no interior de uma sala e valoriza enfaticamente a performance dos atores e os diálogos entre os personagens. Estilisticamente, Lumet — sempre próximo do realismo — recorre a artifícios como o posicionamento orientado da câmera e de enquadramentos bem delimitados, para causar sensações de claustrofobia, proximidade ou distanciamento, segundo a progressão narrativa. O diretor, que realizou mais de 50 filmes ao longo de sua carreira, é considerado um grande retratista de Nova York e um dos últimos moralistas de Hollywood, cuja obra se debruça sobre temas relacionados às questões éticas e da integridade dos personagens.

“Doze Homens e uma Sentença” é um clássico, um caso raro de primeiro filme de um diretor que se torna obra-prima celebrada por críticos e cinéfilos. O filme foi indicado a três Oscars (Melhor Filme, Melhor Diretor e Melhor Roteiro), além de ter ganhado o Leão de Ouro no Festival de Berlim, em 1957. A sua atualidade, entretanto, é incontornável.

12 Angry Men, Estados Unidos, Drama, 1957, 96 minutos. PB. Direção: Sidney Lumet.

O CINEMATÓGRAFO NA SALADEARTE

O Cinematógrafo acontece mensalmente na Saladearte — Cinema do Museu (Corredor da Vitória), sempre no último sábado do mês, exibindo filmes de formas e temas diversificados. A curadoria é dos cineastas Fabricio Ramos e Camele Queiroz e as sessões são sempre seguidas de uma boa conversa sobre o filme, mas também sobre as relações do cinema com a arte e a vida. Os ingressos são vendidos normalmente no local, com preço especial no valor de meia entrada para todos.

Localização: Saladerte – Cinema do Museu, Museu Geológico da Bahia. Corredor da Vitória. Salvador-Ba.

Em agosto, Salvador tem fim de semana especial de cinema: Cinematógrafo (sáb, 25) e Sessão Double Bill (dom, 26)

Neste mês de agosto, dois eventos de Cinema buscam promover encontros com um público diversificado para ver os filmes e conversar sobre as relações do cinema com aspectos da vida e da arte.

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No último fim de semana de agosto, acontecem no Circuito de Cinema — Saladearte dois eventos para quem gosta de filmes e de conversar sobre cinema e suas as relações com a vida, a arte, o pensamento e a política, no sentido amplo do termo.

No sábado (25/8), às 16h30 no Cinema do Museu (Corredor da Vitória), o Cinematógrafo na Saladearte exibe “Iluminação”, filme do diretor polonês Krzysztof Zanussi, um dos expoentes da nowa fala, a nouvelle vague polonesa. O filme, lançado em 1973, acompanha a educação de um jovem adulto, desde sua entrada na universidade até o doutorado, ao mesmo tempo em que acompanha sua formação interior, seu aprendizado sobre a vida, família, sexualidade e valores morais e espirituais. O Cinematógrafo acontece mensalmente no Cinema do Museu, sempre no último sábado de cada mês. A curadoria é dos cineastas Camele Queiroz e Fabricio Ramos (Muros, Quarto Camarim), que programam filmes de formas e temas diversificados e promovem, depois de cada sessão, uma conversa com o público debaixo da grande mangueira no pátio. Ingressos à venda no local no valor único de meia entrada para todos. Leia a nota dos curadores sobre o filme “Iluminação” aqui.

No domingo (26/8), às 10h na Saladearte da UFBA, a segunda Sessão Double Bill valoriza a tradição das matinês dominicais e traz para Salvador o conceito da dobradinha cinematográfica criada nos EUA nos 1940: o público de Salvador vai poder ver dois filmes com um só ingresso. A Sessão traz sempre um tema. Neste domingo, a conversa será sobre “utopia e desencanto nos anos 1960”. No programa, um dos filmes inaugurais do movimento cinematográfico conhecido como Nouvelle Vague, “Paris nos Pertence”, primeiro longa de Jacques Rivette. Completa a sessão, um dos mais contundentes retratos geracionais do período, o documentário “Morrer aos 30 anos”, de Romain Goupil. A ideia da Sessão veio do crítico, programador e curador da Double Bill, Adolfo Gomes. Também participam da curadoria os cineastas Camele Queiroz e Fabricio Ramos. Adolfo apresentará os filmes e conduzirá o bate papo após a sessão. A Sessão Double Bill é bimestral e acontece sempre num domingo, na Saladearte da UFBA. Acesse mais detalhes sobre os filmes e sobre a sessão de agosto aqui.

Cópias restauradas

A Sessão Double Bill, neste mês, tem o apoio da Cinemateca Francesa no Brasil, que disponibilizou cópias restauradas dos dois filmes, trazidas ao Brasil especialmente para a sessão.

Um dos atrativos dos dois eventos, Cinematógrafo, que é mensal, e Double Bill, que é bimestral, é a oportunidade de ver filmes que dificilmente seriam exibidos em salas de cinema na cidade. Os usuários das redes sociais podem acompanhar a programação dos eventos nas respectivas páginas do Facebook: Cinematógrafo na Saladearte e Sessão Double Bill.

[Salvador] Cinematógrafo de agosto (sáb, 25): “Iluminacja” (Iluminação), de Krzysztof Zanussi

Iluminacja (1973) acompanha a educação de um jovem adulto, desde sua entrada na universidade até o doutorado, ao mesmo tempo em que acompanha sua formação interior, seu aprendizado sobre a vida, família, sexualidade e valores morais e espirituais. Duração: 87 min. — País: Polônia. (Cópia legendada em português). Sessão Dia 25 de agosto, às 16h30, na Saladearte — Cinema do Museu.

 

 

Nota dos curadores Camele Queiroz e Fabricio Ramos:

Na primeira cena de Iluminacja, filme do cineasta polonês Krzysztof Zanussi, um filósofo (Władysław Tatarkiewicz, 1886–1980) aparece discorrendo sobre o significado do termo “iluminação”, destacando os sentidos místicos do termo ao longo da história do pensamento. A cena funciona como um prólogo para a metáfora que o filme explora. Um prólogo no sentido em que Borges considerava o termo, dando-lhe uma importância particular: não uma mera apresentação, mas um instrumento para entrever o conjunto de relações que a obra mantém com o mundo. A metáfora que o filme explora se liga à iluminação como “claridade” da razão, um amor à luz tensionado, de forma irônica, pela angústia existencial e pela “construção de si” diante do mundo. E pelo sentimento de simplicidade.

O enredo de Iluminacja, aliás, segue uma estrutura simples: acompanha o início da vida adulta do protagonista, o estudante de física Franciszek, desde o seu ingresso na Universidade até o desenvolvimento de sua tese de doutorado, tempo atravessado por aprendizados sobre a vida e angústias diversas relacionadas aos temas da família, da sexualidade e dos valores morais e espirituais.

Em Iluminacja, a existência de Franciszek acontece como uma experiência que integra diferentes níveis de realidade: o científico, amparado na física e na biologia, ciências que buscam compreender o funcionamento do mundo e, nele, do corpo humano como um complexo bioquímico num mundo ordenado pela natureza; o filosófico, que compreende os dilemas morais, éticos e espirituais; e o político, que no filme se expressa na forma como Franciszek busca se situar no espaço público como um ser pensante.

O diretor Krzysztof Zanussi, que se dedicou ao estudo da física e, depois, da filosofia para enfim se voltar para o cinema, propõe — podemos especular — que o espaço público é também um âmbito espiritual, no interior do qual se manifesta o que os romanos denominaram humanitas, entendendo por isso a qualidade própria do humano, válida sem precisar ser objetiva. O jovem Franciszek atravessa o filme em busca dessa humanitas, ou de sua própria humanidade, ou da Humanität, no sentido em que Kant usou o termo, dando-lhe o significado de personalidade válida, adquirida na aventura da sociabilidade.

De fato, Franciszek sente a perda de um amigo que morre durante um procedimento clínico, vivencia a paixão, o casamento e seus conflitos, sofre o drama das limitações materiais, tudo isso ao tempo em que busca a verdade, uma síntese para compreender o cosmo, a iluminação. Cada nova situação de sua vida abre um amplo espaço para pensamentos filosóficos entremeados com passagens que dão ao filme um caráter ensaístico que aborda questões sobre ciência, arte e sobre o que é viver entre a razão, a incompletude, a paixão e a consciência da morte.

 

Trata-se de questões caras a Krzysztof Zanussi e que se manifestam ao longo de sua filmografia. Expoente da nowa fala, a nouvelle vague polonesa, Zanussi conquistou fama internacional já com seu primeiro longa metragem, “A estrutura do cristal” (1969), que reflete sobre os limites da ciência e sobre relações humanas mediadas pelo conhecimento científico, apresentando personagens de visões de mundo diversas e de sensibilidades contrastantes.

Fundamentalmente, Zanussi, através de Franciszek, se coloca e nos coloca a questão: “qual a substância primordial que deve orientar a nossa vida individual e a nossa relação com o mundo e com as nossas paixões”?

O próprio diretor afirmou que o título do filme deve ser tomado como uma ironia, mas isso não traduz a singularidade do filme que, em seu caráter ensaístico e forma experimental, se revela mais como um registro de um fluxo de pensamento do que como uma história dramática. Atravessado por vários discursos (científico, clínico, religioso e político), Iluminacja, ao modo de um prisma, refracta a sua luz na tela do cinema refletindo uma abundância de ideias e visões de mundo que ultrapassa muito o teor irônico, embora não prescinda dele.

Iluminacja teve uma recepção calorosa de público e crítica, ganhando o Leopardo de Ouro do Festival de Locarno de 1973. Sua forma singular, mesclando experimentalismo com delicadeza e simplicidade, encorajou outros artistas experimentais, como Alain Resnais ou Sławomir Shuty, a continuar suas explorações artísticas. Diante de tal experiência de cinema, o público é instado a transitar do mundo das ideias à esfera do pensamento, vendo-se forçado a buscar suas próprias respostas e mesmo suas próprias questões sobre a vida e o mundo.

Iluminacja (Iluminação)

Ano: 1973 — Duração: 87 min. — País: Polônia. (Cópia legendada em português).

Trailer (sem legendas):

 

O CINEMATÓGRAFO NA SALADEARTE

O Cinematógrafo acontece mensalmente na Saladearte — Cinema do Museu (Corredor da Vitória), sempre no último sábado do mês, exibindo filmes de formas e temas diversificados. A curadoria é dos cineastas Fabricio Ramos e Camele Queiroz e as sessões são sempre seguidas de uma boa conversa sobre o filme, mas também sobre as relações do cinema com a arte e a vida. Os ingressos são vendidos normalmente no local, com preço especial no valor de meia entrada para todos.

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“Children of Men”: Cinematógrafo de Julho reflete sobre distopia e esperança. Confira a nota dos curadores

O Cinematógrafo de JULHO acontece no dia 28 (sábado), às 16h30, na Saladearte — Cinema do Museu. Ingressos no valor de meia entrada.

Card Julho Cinematógrafo

 

Dos curadores do Cinematógrafo, Camele Q. e Fabricio R.:

O século do cinema coincide com a culminância do mundo que designamos de moderno: o século da razão crítica de si mesma, da morte de Deus, da história como destino humano ou, inversamente, do destino da humanidade como história em frenética progressão. A modernidade, em sua dinâmica revolucionária (a recorrente destruição de uma ordem passada em nome de uma outra ordem mais “justa” e “racional”) destronou o indivíduo da centralidade do mundo para destacar a realidade da sociedade e da espécie. Em termos de valores, a modernidade marca o momento em que saímos da eternidade para a história.

As artes narrativas modernas, e o cinema como sua expressão por excelência, não nos privaram de cenários possíveis que, de uma forma ou de outra, põem em questão esse contínuo progresso como motor do mundo: para onde? De “Alphaville” a “Matrix”, de “Metrópolis” a “Blade Runner”, de “1984” a “Mad Max“, “Fahrenheit 451” e “Laranja Mecânica”, para marcar poucos exemplos, as narrativas distópicas nos encantam e assombram, de forma mais ou menos realista, seja através das promessas ou ameaças de nossas próprias conquistas (a tecnologia ou o poder do Estado), seja pelo deslumbramento da catástrofe apocalíptica.

Frame de “Children of Men” (2006)

Em “Children of Men” (no Brasil, “Filhos da Esperança”), filme britânico-americano de 2006 livremente adaptado do romance The Children of Men, de P. D. James, e dirigido pelo diretor mexicano Alfonso Cuarón, a distopia aparece de forma radical e sutil: em um futuro próximo, a humanidade simples e misteriosamente parou de procriar. A desordem tomou conta do mundo e os estados e as sociedades colapsaram, exceto a Inglaterra, mesmo assim assolada por fome, epidemias e caos social, constituindo-se como um Estado ultra-totalitário que concentra seus esforços no rechaço às ondas de imigrantes do resto do mundo que tentam entrar e permanecer no país, mas são perseguidos, presos e assassinados.

A esperança emerge, inesperadamente, no corpo de uma jovem mulher refugiada. Clive Owen interpreta o funcionário público Theo Faron, que deve ajudá-la a escapar do caos e dos riscos que sua condição impõe. Movimentos de resistência contra o totalitarismo instalado no país lutam pela segurança da jovem que guarda em si a esperança do mundo, talvez a sua última chance. “Children of Men”, lançado em 2006, se passa em 2029, mas as cenas e situações que vemos no filme — mães árabes chorando a morte dos seus filhos, controle draconiano e repressão dos fluxos de imigração, pobreza extrema nas ruas da metrópole, espetacularização e exploração comercial do desastre que se abate sobre a última geração da humanidade — situam a distopia no cotidiano de nossa realidade atual.

Frame de “Children of Men”

Children of Men também é estrelado por Julianne Moore, Michael Caine, Claire-Hope Ashitey, Pam Ferris e Chiwetel Ejiofor. O filme estreou nos Estados Unidos no período das festas natalinas e diversos críticos notaram as relações entre a data de estreia e os temas de esperança, redenção e fé. Bem recebido pela crítica especializada, o filme foi elogiado por suas realizações em fotografia, direção de arte, roteiro e suas inovadoras sequências de ação em planos sequências. Obteve indicações ao Oscar em 2007 nas categorias de Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Fotografia e Melhor Edição. Venceu dois BAFTA Award e recebeu o Saturn Award de Melhor Filme de Ficção Científica.

O CINEMATÓGRAFO NA SALADEARTE

O filme passa no Cinematógrafo de juLHO, que acontece na Saladearte — Cinema do Museu (no Corredor da Vitória, em Salvador), no sábado (28/7), às 16h30. O Cinematógrafo acontece lá mensalmente, sempre no último sábado do mês, exibindo filmes de formas e temas diversificados. A curadoria é dos cineastas Fabricio Ramos e Camele Queiroz e as sessões são sempre seguidas de uma boa conversa sobre o filme, mas também sobre as relações do cinema com a arte e a vida. Os ingressos são vendidos normalmente no local, com preço especial no valor de meia entrada para todos.

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Cinematógrafo na Saladearte de junho exibe “Serras da Desordem”. Confira a nota dos curadores sobre o filme

[Salvador] O Cinematógrafo de junho (sáb, 30/6, às 16h30, no Cinema do Museu) exibe Serras da Desordem, de Andrea Tonacci. “Há no filme uma proposta de olhar que a ficção não controla, mas que perturba também o pacto documental. – Confira a nota dos curadores do Cinematógrafo:

Cinematógrafo SERRAS JUNHO

Em Serras da Desordem (2006), de Andrea Tonacci, a recorrente imagem do trem sempre em movimento que se impõe na tela, além de remeter à mítica imagem do nascimento do próprio cinema, simboliza o progresso tecnológico e o avanço civilizatório. Se o filme traduz, nas palavras do crítico Daniel Caetano, a “violência do olhar civilizatório” que “através da metáfora do trem em movimento”, dá conta “da construção de um país através de suas imagens”, a obra de Tonacci, que já ocupa um lugar de destaque na cinematografia brasileira, ultrapassa a sua própria metáfora para assumir contornos mais profundos em relação ao seu tema e ao próprio lugar do cinema.

Em sua narrativa, Serras da Desordem nos apresenta a odisseia de Carapiru, índio Awà Guajá que sobreviveu ao massacre de sua tribo por pistoleiros e perambulou pelos sertões do norte e nordeste do país por cerca de dez anos, até ser reintegrado ao que restou de seu grupo, por meio da intervenção estatal. Em sua forma, o filme oscila entre o estilo documental e a ficção, levando ao limite essa indefinição. Tonacci conta que o filme “encena uma história real”. De fato, Carapiru atua no papel de si mesmo, encenando a sua própria história, contada pelo diretor. Inicialmente pensado como um filme de ficção cuja história — a da errância de Carapiru — reverberaria um sentimento de perda vivido por Tonacci, o filme transborda para uma zona de incerteza e de risco que confunde o espectador em seu esforço de situar o filme em um gênero ou de estabelecer um pacto seguro com o que vê na tela: estamos diante de uma ficção ou um documentário? Trata-se de um registro de uma situação real ou de uma encenação? Nem mesmo o suporte ou os procedimentos formais garantem um terreno estável: Serras oscila entre imagens digitais e em película, em cores e em preto e branco, além de alternar entrevistas, encenações, imagens de arquivo e trechos de reportagens televisivas.

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Não obstante toda a incerteza formal e estética de um cinema de risco, inevitavelmente associamos a temática do filme ao drama secular da questão indígena, marcada por uma história de incompreensão, exclusão e genocídio, e por uma relação, como diria Viveiros de Castro, de “desencontro cosmológico” entre nós e eles, sendo que esse “eles” é tudo o que é “não-ocidental, não-moderno, não-humano”.

Mas Serras vai além quando nos oferece uma experiência cinematográfica que nos convoca, para além do tema mais evidente e da forma provocativa, à uma reflexão existencial e, no sentido amplo, “espiritual”, capaz de fazer com que nós nos vejamos refletidos na tragédia individual de Carapiru, contemplando uma imagem de nós mesmos, embora sem nos reconhecer nela, porque Carapiru encarna a imagem do “o outro” absoluto cuja fala sequer entendemos. Porém, de alguma forma, ele participa de nossa própria história como um homem do século XXI que reúne em si mesmo uma sensível síntese histórica e individual de nosso tempo indescritível, de nossa modernidade que o cinema de Tonacci, a um só tempo, expressa e contesta.

Vem da própria trajetória de Tonacci como um cineasta singular essa manifesta consciência do desencontro cosmológico entre índios e brancos na história do Brasil. O diretor, que se foi há menos de dois anos (ele morreu em dezembro de 2016, aos 72 anos), é considerado um dos principais nomes do chamado “cinema marginal” (movimento melhor designado por Jairo Ferreira como Cinema de invenção). Em 1966, dirigiu Olho por Olho, e atuou como fotógrafo de Documentário, ficção de Rogério Sganzerla, ambos curtas metragens. Dirigiu BláBláBlá, de 1968, e Bang-Bang, de 1971, entre outras ficções, e mais tarde se voltou para o método documental, aproximando-se, inclusive, de um uma experiência um tanto etnográfica, quando filmou os índios Canela em Conversas no Maranhão (1977); e Arara, em Os Arara (1983).

Tal trajetória se mostra fundamental para a motivação e determinante para as escolhas que levaram o diretor a realizar Serras da Desordem. Com base em sua experiência, que vincula o cinema à sua própria vida, é que Tonacci transfigura o desencontro cosmológico entre ele e o índio em um encontro entre dois indivíduos, marcado por “um processo de reconhecimento — ou desconhecimento — do outro, de mútua e imediata interferência de um no outro”, como ele declara em entrevista a Daniel Caetano, referindo-se à sua vivência com os índios Canela do Maranhão. Nesse sentido, Serras da Desordem imbrica o nós e o eles e complexifica essa relação por si só problemática, em meio a uma história nossa de “progresso” e destruição que já não ameaça somente Carapiru (que incorpora o eles), mas a nós mesmos que, através do filme de Tonacci, nos apropriamos de sua história para pensarmos, a partir da condição geral do índio, a nossa própria condição moderna.

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O diretor Andrea Tonacci (com a câmera) revela o próprio aparato cinematográfico no filme

Enfim, trata-se de um filme sobre o qual muito já se disse, embora nunca o suficiente, e que descortina uma miríade de questões, sejam políticas e propriamente cinematográficas, sejam mais amplamente ligadas às nossas ideias sobre a vida e o mundo, nossa história, nossas conquistas e nossas tragédias.

Serras da Desordem, portanto, não se resume numa mera crítica histórica, social ou política que se apoia na odisseia de um indivíduo emblemático — um índio: o próprio Tonacci reafirma a sua intenção, não de revelar algo sobre Carapiru, nem tampouco de restituir alguma verdade ou delegar a voz ao outro excluído (coisa que efetivamente ele não faz), mas de oferecer ao expectador uma experiência lacunar, a fim de “permitir um mergulho nesse escuro, nesse desconhecimento” que são os índios para nós, “uma outra humanidade”, como uma fala no próprio filme expressa.

Para introduzir, quem sabe, a conversa que tradicionalmente se segue a sessão do Cinematógrafo, reproduzo uma reflexão de Daniel Caetano, crítico citado anteriormente e que organizou o livro “Serras da Desordem”, publicado pela azougue editorial, infelizmente esgotado. A reflexão de Caetano retoma, a partir de Serras, o tema do espírito da modernidade e da “violência do olhar civilizatório”, que abriu esse texto:

A aparição de Andrea Tonacci ao final do filme — assumindo seu papel como mediador dessa narrativa sobre a trajetória de Carapiru, o índio desterritorializado (…) — gera uma crise revitalizadora ao questionar o espaço deste filme na relação entre um homem que teve sua forma de vida atacada e a civilização que primeiro colonizou seu espaço e posteriormente se apropriou de sua imagem e de sua história para poder refletir sobre si mesma. (Daniel Caetano)

A força dramática de Serras da Desordem reside, inescapavelmente, no fato de Carapiru ser um índio. Mas o fascínio que o filme desperta se liga à sua dimensão de obra única: há no filme uma proposta de olhar que a ficção não controla, mas que perturba também o pacto documental. Um cinema de risco, como já dito, que reflete a própria trajetória criativa de Andrea Tonacci, marcada por qualquer coisa marginal, desafiante das dicotomias propriamente modernas. Trajetória que o situa, entretanto, para muito além das margens: em Serras da Desordem, Andrea Tonacci inventa um cinema, realiza um autêntico cinema de invenção.

— Por Fabricio Ramos e Camele Queiroz, curadores.

 

 

“Serras da Desordem” passa no Cinematógrafo de junho, que acontece na Saladearte — Cinema do Museu (no Corredor da Vitória, em Salvador), no sábado (30/6), às 16h30. O Cinematógrafo acontece lá mensalmente, sempre no último sábado do mês, exibindo filmes de formas e temas diversificados. A curadoria é dos cineastas Fabricio Ramos e Camele Queiroz e as sessões são sempre seguidas de uma boa conversa sobre o filme, mas também sobre as relações do cinema com a arte e a vida.

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Cinematógrafo na Saladearte (sáb, 7/4) exibe “Homem Comum” (2014), de Carlos Nader. Confira o TRAILER e nota dos curadores:

O Cinematógrafo na Saladearte de março, por conta da semana santa, acontece excepcionalmente no primeiro sábado de ABRIL, dia 7, às 16h30, no Cinema do Museu.

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Nota dos Curadores do Cinematógrafo, Fabricio Ramos e Camele Queiroz, sobre “Homem Comum”:

Há mais de 20 anos, o cineasta Carlos Nader começou a se aventurar pelas estradas e rodovias do Brasil profundo, interpelando caminhoneiros, estabelecendo com eles conversas triviais até que, repentinamente, redirecionava a conversa para o tema das inquietações existenciais e da sensação de estranhamento diante do enigma da vida.

Num primeiro olhar, suspeitamos que Nader quer fazer expressar-se, através de um choque de sensibilidades distintas que um encontro entre um cineasta sofisticado e um simples caminhoneiro produz, o pensamento daqueles que não estariam “destinados” a pensar. Quê angústias metafísicas, que questionamentos existenciais, um homem ou uma mulher voltados para o aspecto prático da vida expressam e como os expressam?

A atitude de desbravamento de Nader, que inicia um incerto e peculiar road-movie, reconduz os caminhos do próprio filme, transformando a experiência do cineasta a partir de seu encontro com Nilson, o caminhoneiro Nilsão. Emerge entre eles uma espécie de amizade aparentemente destoante, mas fortalecida por algum mistério, por um fascínio mútuo que os une ao longo de uma aventura compartilhada que se estende de 1995 até 2012. Uma aventura que, nas palavras de José Miguel Wisnik sobre “Homem Comum”, realiza “uma extraordinária aproximação ao princípio que reconhece o caráter impenetrável do cotidiano, ao mesmo tempo que o caráter cotidiano do impenetrável”.

É a angústia existencial do cineasta que o move a questionar Nilson sobre a vida, mas é a presença da morte, em meio às tragédias de uma vida como tantas outras, que faz Nilson procurar o cineasta depois de vários anos.

Trata-se de um encontro mediado pelo cinema, não só pelo fazer cinema próprio de Carlos Nader, mas pela inserção, no filme em si e na relação de Nader com Nilson, de cenas do clássico do cinema mundial “A Palavra” (Ordet, 1955), do diretor dinamarquês Carl Theodor Dreyer. Neste clássico, a falta de sentido do mundo e o absurdo da vida são enfrentados e sofridos por seus personagens que, diante do acontecimento fatídico da morte, conclamam, de forma conflituosa e desesperada, o misterioso salto de fé.

São muitas as questões que “Homem Comum”enseja, sobre a vida e a morte, sobre as visões de mundo e sensibilidades marcadas por diferenças profundas, mas unidas, de um modo inalcançável, por um sentimento universal diante de uma vida enigmática, embora carregada de exigências práticas que, não raro, parecem soterrar o caráter impenetrável do cotidiano, mas não resistem a algo mais profundo, mais forte, que em certos momentos arrastam a todos nós para a espiral de uma outra visão da vida e do mundo.

Mas uma das questões que aparecem se dá no campo sensível que subverte as relações e os lugares que certa ordem do mundo define para cada sujeito: precisamente a questão de uma não-adesão fundamental à ordem das coisas que une, essencialmente, o cineasta existencialmente angustiado e o caminhoneiro que diz sequer ter a capacidade de sonhar.

Depois de ver o filme, fica-nos, entre outros sentimentos, o reconhecimento íntimo de que o tema das relações e das diferenças, em vários níveis, oferece mais complexidade do que admitem certos discursos eruditos, e nos sentimos animados a ampliar, a partir de nós mesmos até o outro mais distante, a dimensão das grandes questões, dos grandes sentimentos, que não são grandes por serem raros ou profundos, mas por se fazerem essencialmente presentes em todos nós, mulheres e homens comuns.

TRAILER:

 

SOBRE O CINEMATÓGRAFO

O Cinematógrafo, uma mostra de filmes independente sob curadoria de Camele Queiroz e Fabricio Ramos, cineastas e curadores de Salvador. A iniciativa independente começou no Rio Vermelho, na Casa 149. Ali, num esquema artesanal de montagem de estrutura de projeção, realizou-se sessões durante seis meses, desde dezembro de 2016. Em julho de 2017, fomos convidados a realizar o Cinematógrafo no Cine XIV, sala no Pelourinho, em parceria com o Circuito Saladearte. Com o incêndio que consumiu o Cine XIV, interrompemos os encontros para os retomarmos, neste ano de 2018, no Cinema do Museu, sempre no último sábado de cada mês, às 16h30. O objetivo é, a partir de filmes de variados temas e formas, promover conversas sobre as relações do cinema com questões da vida e suas relações com a arte.
Localização:

O Cinematógrafo no Cine XIV de outubro exibe “A Liberdade é Azul”

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Nota dos curadores:

Julie Vignon (Juliette Binoche) sobrevive ao acidente de carro que vitimou seu marido e sua filha pequena. Diante da dor da perda, ela decide enfrentar a tragédia experimentando uma liberdade radical em sua vida, recusando o luto e o choro, livrando-se de seus bens e patrimônio, evitando se ligar ao próprio passado e se afastando definitivamente das pessoas com as quais mantinha vínculos afetivos.

Em A Liberdade é Azul (1993), a Música e cor cumprem uma função narrativa mas, sobretudo, compõem a estética do filme, que proporciona uma experiência sensorial impactante, imprescindível de ser vivenciada num ambiente que somente a sala de cinema oferece. O tema da liberdade aparece sob uma abordagem existencial e trágica, mas evoca questões que se ligam a uma ampla variedade de problemas contemporâneos.

O diretor polonês Krzysztof Kieslowski completou a sua trilogia das cores com A Igualdade é Branca (1994) e A Fraternidade é Vermelha (1995), títulos que fazem clara referência aos ideais iluministas encampados pela Revolução burguesa na França. A acepção demasiado óbvia dos títulos poderia sugerir uma leitura apressada, relacionando o filme à preponderância de razões políticas e históricas. Entretanto, em A Liberdade é Azul, a história e a política só aparecem enquanto substrato de uma experiência individual trágica que, como um corpo que se afoga, busca na própria crise dos ideais, se não uma tábua de salvação, uma maneira possível de ficar submerso. — (Por Fabricio e Camele).

O quê: sessão de A Liberdade é Azul no Cinematógrafo
Quando: dia 7 de outubro, sábado, às 16h.
Onde: no Cine XIV, no Pelourinho (veja mapa mais abaixo)
(A contribuição é de R$ 5,00)

 

O CINEMATÓGRAFO:

O Cinematógrafo no Cine XIV exibe filmes, mensalmente, de variadas formas e temas, sempre no primeiro sábado do mês, às 16h. O intuito é instigar conversas sobre os mais diversos problemas contemporâneos, nos campos da política, da estética e da arte em suas relações com a vida. A curadoria é de Camele Queiroz e Fabricio Ramos e os filmes programados são divulgados a cada mês em nossas redes (curta a página no Facebook).  A contribuição é de R$ 5,00 por sessão. Apoie a iniciativa se tornando um membro associado através da anuidade (sessenta reais) que garante acesso às doze sessões anuais.  Fale conosco e participe!

Cinematógrafo no Cine XIV: fotos da sessão do dia 2 de setembro

O Cinematógrafo no Cine XIV de setembro, que aconteceu no último sábado, dia 2, apresentou o filme “Entre a Luz e a Sombra”, de Luciana Burlamaqui, que relaciona a vida cotidiana dos personagens com questões políticas, sociais e existenciais, abrangendo temas que vão desde o crime e a violência, o sistema carcerário e a sua relação com o poder judiciário, até a arte e a música como motivadoras de reintegração social e a força dos dramas mais humanos na luta por existir segundo seus próprios sonhos e visões de mundo.

O esforço dos curadores, Camele e Fabricio, é o de compor uma programação mensal abrindo diferentes leques de possibilidades estéticas, formais e temáticas. E também o de atrair um público diversificado, que manifesta, claro, um interesse e uma ligação afetiva com o cinema, mas que não se restringe à cinefilia.

A ideia do Cinematógrafo é reinventar as formas de ver um filme, favorecer a fidelidade do público com a Sala de Cinema a partir da confiança na programação dos curadores e da expectativa de, sempre a partir de um filme, mobilizar conversas sobre as relações entre a arte e a vida, invocando assuntos do campo da ética, da estética, da política, da filosofia e das visões de mundo de cada um, enriquecendo as perspectivas na conversa que sucede à sessão.

O Cinematógrafo conta com a parceria do Cine XIV, sala do Circuito de Cinema Saladearte, localizada no Pelourinho. As sessões acontecem sempre no primeiro sábado do mês, às 16h. A próxima sessão, portanto, será no dia 7 de outubro. A programação será divulgada em nossas redes com antecedência. Curta a nossa página no Facebook, acompanhe e participe!

(Fotos: Camele, Fabricio e Nirlyn).

Cinematógrafo de setembro exibe “Entre a Luz e a Sombra”, filme que expressa “potência e visceralidade”

Não me recordo de nenhum filme – fic ou doc – que exponha a atual crise social brasileira com tanta potência e visceralidade. E não é bom só para debater. Na riqueza de sua dramaturgia, eis um magnífico filme de gênero, só que extraído da mais pura realidade. – Trecho de crítica de Carlos Alberto Mattos, no site Críticos.com

 

O Cinematógrafo no Cine XIV de setembro (sábado, dia 2, às 16h) exibe o filme Entre a Luz e a Sombra, de Luciana Burlamaqui, realizado entre 2000 e 2009.

[Dos curadores]

O documentário parte do encontro entre três pessoas, cujos destinos se cruzam no presídio do Carandiru: Sophia Bisilliat, uma atriz que dedica a vida a humanização do sistema carcerário através da arte; Dexter, que – junto com o amigo Afro-X – forma, dentro do Carandiru, a dupla de rap 509-E, passando a fazer shows na periferia de São Paulo; e um juiz que acredita num modelo alternativo de ressocialização dos encarcerados, permitindo que os rappers, mesmo cumprindo pena em regime fechado, possam sair para fazer shows.

A diretora Luciana Burlamaqui acompanhou a vida desses personagens por nove anos. Filmando sozinha, ela mesma operando uma discreta câmera digital e a captação do som, Luciana consegue como resultado uma relação intimista com seus personagens principais, Sophia e Dexter, que vivem um relacionamento de caráter duplo: conjugal e profissional (Sophia se torna empresária da dupla de rappers, que faz sucesso nas periferias de São Paulo), uma história de amor e de conflito, marcada pelas contradições entre pessoas de classes sociais distintas, de trajetórias diferentes e pela luta por dar sentido à vida em meio às tragédias e desafios sociais e individuais.

O filme, portanto, relaciona a vida cotidiana dos personagens com questões políticas, sociais e existenciais, abrangendo temas que vão desde o crime e a violência, o sistema carcerário e a sua relação com o poder judiciário, até a arte e a música como motivadoras de reintegração social e a força dos dramas mais humanos na luta por existir segundo seus próprios sonhos e visões de mundo.

Entre a Luz e a Sombra estreou em 2007, no IDFA, Festival Internacional de Documentários de Amsterdã, um dos mais importantes do mundo. Participou de vários outros festivais no Brasil e no exterior, obtendo prêmios tais como Prêmio do Público de Melhor Documentário e uma Menção Especial do Júri no 17º Festival de Cinemas e Culturas da América Latina de Biarritz (França), entre outros.

Você pode confirmar presença e acompanhar as notícias sobre a sessão na página do evento no Facebook: clique aqui.

O CINEMATÓGRAFO:

O Cinematógrafo no Cine XIV exibe filmes mensalmente, sempre no primeiro sábado do mês, às 16h. A curadoria é de Camele Queiroz e Fabricio Ramos e as sessões são seguidas de conversas. Os filmes programados serão divulgados mensalmente aqui e em nossas redes (curta a página no Facebook). O Cinematógrafo é uma parceria entre o Bahiadoc e o Circuito de Cinema Saladearte. A contribuição é de R$ 5,00 por mês (ou por sessão). Participe!